Vamos falar de arte

Vamos falar de arte

VAMOS FALAR DE ARTE - ENSINO MÉDIO DO CSSG

ENTENDENDO A ARTE

O QUE É A ARTE?

Para que serve a Arte? O que significa? Que contribuições traz?

Para alguns, a arte concretiza-se na música que gostam de ouvir, tocar ou cantar; na dança que os faz felizes; na personagem com a qual se identificam, em uma peça de teatro; na pintura, na produção plástica que elaboram; na imagem na qual seus olhos passeiam e os leva a dialogar com o que estão vendo; na fruição, na apreciação das manifestações artísticas de que gostam. Para outros, talvez signifique algo que não consigam expressar e talvez até não signifique nada.

Poderíamos definir a palavra arte como “manifestação da atividade humana por meio da qual se expressa uma visão pessoal e desinteressada que interpreta o real ou o imaginário com recursos plásticos, lingüísticos ou sonoros”.O mundo da Arte é concreto e vivo podendo ser observado, compreendido e apreciado.

Através da experiência artística o ser humano desenvolve sua imaginação e criação aprendendo a conviver com seus semelhantes, respeitando as diferenças e sabendo modificar a sua realidade.

A arte dá e encontra forma e significado como instrumento de vida na busca do entendimento de quem somos, onde estamos e o que fazemos no mundo.

O ser humano sempre procurou representar, por meio de imagens, a realidade em que vive( pessoas, animais, objetos e elementos da natureza), e os seres que imagina – divindades, por exemplo. As Artes Visuais, desenho, pintura, grafite, escultura, etc. – a literatura, a música, a dança e o teatro são formas de expressão que constituem a arte.

A arte é uma criação humana com valores estéticos (beleza, equilíbrio, harmonia, revolta) que sintetizam as suas emoções, sua história, seus sentimentos e a sua cultura. É um conjunto de procedimentos utilizados para realizar obras, e no qual aplicamos nossos conhecimentos. Apresenta-se sob variadas formas como: a plástica, a música, a escultura, o cinema, o teatro, a dança, a arquitetura etc.

Pode ser vista ou percebida pelo homem de três maneiras: visualizadas, ouvidas ou mistas (audiovisuais). Atualmente alguns tipos de arte permitem que o apreciador participe da obra.

 

 

Pensando sobre Arte - Responda:

 

-Você sabe o que é arte e para que ela serve? Fale sobre o tema!

-Você vive rodeado de imagens. Olhando uma imagem você já ficou na dúvida se ela era ou não uma obra de Arte? Qual era essa imagem?

-Você sabe diferenciar um cartaz de peça de teatro com uma pintura em tela como sendo Arte?

-Em sua casa, procure em revistas, recorte e faça uma colagem de imagens que você considera como sendo Arte.

 

Para podermos responder a muitas perguntas sobre o assunto devemos, antes de mais nada, saber que Arte é conhecimento.

 

As primeiras expressões artísticas

As mais antigas figuras feitas pelo ser humano foram desenhadas em paredes de rocha, sobretudo em cavernas. Esse tipo de arte é chamado de rupestre, do latim rupes, rocha. Já foram encontradas imagens rupestres em muitos locais, mas as mais estudadas são as das cavernas de Lascaux e Chauvet, França, de Altamira, Espanha, de Tassili, na região do Saara, África, e as do município de São Raimundo Nonato, no Piauí, Brasil.

Dentre as pinturas rupestres destacam-se as chamadas mãos em negativo e os desenhos e pinturas de animais. As mãos em negativo são um dos primeiros registros deixados pelos nossos ancestrais que viveram por volta de 30 mil anos atrás, no período da Pré-História chamado de Paleolítico.

Nos desenhos e pinturas de animais, chama nossa atenção o naturalismo: o artista pintava o animal do modo que ele o via, reproduzindo a natureza tal qual seus olhos a captavam.

Conhecendo mais sobre a Arte:

Dentre os possíveis e variados conceitos que a arte pode ter podemos sintetizá-los do seguinte modo – a arte é uma experiência humana de conhecimento estético que transmite e expressa idéias e emoções na forma de um objeto artístico (desenho, pintura, escultura, arquitetura, etc.)e que possui em si o seu próprio valor. Portanto, para apreciarmos a arte é necessário aprender sobre ela. Aprender a observar, a analisar, a refletir, a criticar e a emitir opiniões fundamentadas sobre gostos, estilos, materiais e modos diferentes de fazer arte.

Quem faz a arte?

O homem criou objetos para satisfazer as necessidades práticas, como as ferramentas para cavar a terra e os utensílios de cozinha. Outros objetos são criados por serem interessantes ou possuírem um caráter instrutivo. O homem cria a arte como meio de vida, para que o mundo saiba o que pensa, para divulgar as suas crenças (ou as de outros), para estimular e distrair a si mesmo e aos outros, para explorar novas formas de olhar e interpretar objetos e cenas.

Porque o mundo necessita de Arte?

Porque fazemos arte e para que a usamos é aquilo que chamamos de função da arte que pode ser feita para decorar o mundo, para espelhar o nosso mundo (naturalista), para ajudar no dia-a-dia (utilitária), para explicar e descrever a história, para ser usada na cura de doenças e para ajudar a explorar o mundo.

Como entendemos a Arte?

O que vemos quando admiramos uma arte depende de nossa experiência e conhecimentos, da nossa disposição no momento, imaginação e daquilo que o artista pretendeu mostrar.

Como conseguimos ver as transformações do mundo através da arte?

Podemos verificar que tipo de arte foi feita, quando, onde e como, desta maneira estaremos dialogando com a obra de arte, e assim podemos entender as mudanças que o mundo teve.

Para existir a arte são precisos três elementos: o artista, o observador e a obra de arte.

O primeiro elemento é o artista, aquele que cria a obra, partindo do seu conhecimento concreto, abstrato e individual transmitindo e expressando suas idéias, sentimentos, emoções em um objeto artístico (pintura, escultura, desenho etc) que simbolize esses conceitos. Para criar a obra o artista necessita conhecer e experimentar os materiais com que trabalha, quais as técnicas que melhor se encaixam à sua proposta de arte e como expor seu conhecimento de maneira formal no objeto artístico.

O outro elemento é o observador, que faz parte do público que tem o contato com a obra, partindo num caminho inverso ao do artista – observa a obra para chegar ao conhecimento de mundo que ela contém. Para isso o observador precisa de sensibilidade, disponibilidade para entendê-la e algum conhecimento de história e história da arte, assim poderá entender o contexto em que a obra foi produzida e fazer relação com o seu próprio contexto.

Por fim, a obra de arte ou o objeto artístico, faz parte de todo o processo, indo da criação do artista até o entendimento e apreciação do observador. A obra de arte guarda um fim em si mesma sem precisar de um complemento ou “tradução”, desde que isso não faça parte da proposta do artista.

O BELO E O FEIO – A QUESTÃO DO GOSTO

Os filósofos tentaram fundamentar a objetividade da arte e da beleza:

 

Para Platão, “a beleza é a única idéia que resplandece no mundo” Û por um lado reconhece o caráter sensível do belo, por outro, afirma a essencial ideal/objetiva = admite-se a existência do “belo em si” independentemente das obras individuais que “devem” se aproximar desse ideal universal.

Para o Classicismo, há dedução de regras para o fazer artístico a partir do belo ideal, fundando a estética normativa. É o objeto que passa a ter qualidades que o tornam mais ou menos agradáveis, independentemente do sujeito que as percebe.

Para os Empiristas, a beleza relativizava-se ao gosto de cada um Û aquilo que depende do gosto e da opinião pessoal não pode ser discutido racionalmente. O belo, portanto, não está mais no objeto, mas na condição de recepção do sujeito.

Para Kant, “o belo é aquilo que agrada universalmente”, ainda que não possa justificá-lo intelectualmente. Para ele, o objeto belo é uma ocasião de prazer, cuja causa reside no sujeito. O princípio do juízo estético é o sentimento do sujeito e não o conceito do objeto. Belo, portanto, é uma qualidade que atribuímos aos objetos para exprimir um certo estado da nossa subjetividade. Assim, não há uma idéia de belo nem pode haver regras para produzi-los.

 

·         Conhecimento subjetivo: é aquele que depende do ponto de vista pessoal, individual, não fundado no objeto, mas condicionado por sentimentos ou afirmações arbitrárias do sujeito.

 

·         Conhecimento objetivo: é aquele fundado na observação imparcial, independente das preferências individuais. Conhecimento resultante da descentralização do sujeito que conhece, pelo confronto com outros pontos de vista.

 

Para Hegel, se introduz o conceito de história, a beleza muda de face e de aspecto através dos tempos. E essa mudança depende mais da cultura e da visão de mundo vigente do que de uma exigência interna do belo.

Na Visão Fenomenológica, considera-se o belo como uma qualidade de certos objetos singulares que nos são dados à percepção. Beleza é a imanência total de um sentido ao sensível. O objeto é belo porque realiza o seu destino segundo o seu modo de ser, que carrega um significado que só pode ser percebido na experiência estética. Não existe mais a idéia de um único valor estético a partir do qual julgamos todas as obras. Cada objeto estabelece seu próprio tipo de beleza.

 

O FEIO – duas representações filosóficas:

 

A representação do “feio” ® No momento em que a arte rompe com a idéia de ser “cópia do real” e passa a ser considerada criação autônoma que tem por função revelar as possibilidades do real, ela passa a ser avaliada de acordo com a autenticidade da sua proposta e com sua capacidade de falar ao sentimento = arte como forma de pensamento.

A forma de representação “feia” ® O problema do belo e do feio é o deslocamento do assunto para o modo de representação = só haverá obras feias na medida em forem malfeitas, que não corresponderem plenamente a sua proposta, nesse sentido o “feio” não poderá ser objeto da arte = não haverá obra de arte.

 

A QUESTÃO DO GOSTO

 

A subjetividade em relação ao objeto estético precisa estar mais interessada em conhecer, entregando-se às particularidades de cada objeto, do que em preferir. Nesse sentido, ter gosto é ter capacidade de julgamento sem preconceitos;

 

É a própria presença da arte que forma o gosto: torna-nos disponíveis, reprime as particularidades da subjetividade, converte o particular em universal. A obra de arte nos convida a um olhar puro, livre abertura para o objeto, e o conteúdo particular a se pôr a serviço da compreensão em lugar de ofuscá-la fazendo prevalecer as suas inclinações;

 

A medida que o sujeito exerce a aptidão de se abrir, desenvolve a aptidão de compreender, de penetrar no mundo aberto pela obra. Gosto é a comunicação com a obra para além de todo saber e de toda a técnica. O poder de fazer justiça ao objeto estético é a via da universalidade do julgamento do gosto.

 

ATIVIDADE:

 

-Pesquisar em livros ou na internet imagens de obras de arte que para você representa o Belo e o Feio.

-O que você considera ser belo? Um rosto feminino ou masculino? Um corpo saudável? Um pôr-do-sol na praia? Uma roupa que está na moda?

 

ARTE NO RENASCIMENTO

O Renascimento Artístico ocorreu principalmente na Itália (Florença, Veneza e Roma) e na região Flamenga (Borgonha francesa, Flandres e sul da Holanda). Desenvolveu-se entre 1300 e 1650.

 Além de reviver a antiga cultura greco-romana nesse período houve muitos progressos e incontáveis realizações no campo das artes, literatura e das ciências.

As principais causas foram:

  • o desenvolvimento do comércio:

  • o crescimento das cidades:

  • a proteção dos mecenas (ricos burgueses interessados nas letras e nas artes, financiavam os artistas). A família Médici era a que mais praticava o mecenato na época:

  • o estudo da antiga cultura greco-romana.

O ideal do humanismo (valorização do homem e da natureza, em oposição ao divino e ao sobrenatural que dominavam a cultura da Idade Média) foi o móvel e o espírito do Renascimento, expressando como valores: a racionalidade, o individualismo e a dignidade do ser humano;

Arquitetura:

No período românico construìam-se templos fechados. A arquitetura gótica buscou a verticalidade.

Na arquitetura renascentista, a ocupação o espaço pelo edifício baseia-se em relações matemáticas estabelecidas de tal forma que o observador possa compreender a lei que o organiza, de qualquer ponto em que se coloque

Um dos primeiros arquitetos a expressar esses ideais foi Filippo Brunelleschi (1377-1446). Foi um exemplo de artista, pois foi completo, foi pintor, escultor, arquiteto, conhecendo também matemática, geometria e poesia.

Trabalhos mais importantes: cúpula da Catedral de Florença e Capela Pazzi.

Características:

  • busca de uma justa proporção entre todas as partes do edifício;

  • predomínio da linha horizontal, que sugere equilíbrio e peso;

  • repetição dos mesmos elementos numa composição bem simétrica.

Decoração:

  • frontão triangular, arcos plenos e colunas de influência greco-romana;

  • da rosácea, se origina o óculo, que é redondo, pequeno e serve para entrada de luz.

Pintura

Duas grandes novidades marcam a pintura renascentista: a utilização da perspectiva, através da qual os artistas conseguem reproduzir em suas obras, espaços reais sobre uma superfície plana, dando a noção de profundidade e de volume, ajudados pelo jogo de cores que permitem destacar na obra os elementos mais importantes e obscurecer os elementos secundários, a variação de cores frias e quentes e o manejo da luz permitem criar distâncias e volumes que parecem ser copiados da realidade; e a utilização da tinta à óleo, que possiblitará a pintura sobre tela com uma qualidade maior, dando maior ênfase à realidade e maior durabilidade às obras.

Características:

  • busca do equilíbrio através da simetria;

  • conhecimento da anatomia humana através do desenho realista e tomado do natural;

  • aplicação da perspectiva dando profundidade;

  • de volume, através do claro e escuro;

  • do movimento, através de pequenos desequilíbrios na composição.

Temas:

  • além dos religiosos, são usados temas da miitologia grega e retratos, apresentando sempre a natureza ao fundo.

Técnica:

  • aparece a pintura à óleo, superior em brilho e conservação das cores, à base de pigmentos misturados com resina vegetal e harmonizados com vernizes, inventada pelos irmãos Van Eyck.

Principais Pintores:

  • Masaccio ( 1401-1429 )

  • Frá Angélico ( 1387-1455 )

  • Jan Van Eyck ( 1390-1441 )

  • Piero della Francesca (1410-1492 )

  • Sandro Botticelli (1445-1510 )

  • Leonardo da Vinci (1452-1519 )

  • Bosch ( 1450-1516 )

  • Albert Dürer ( 1471-1528 )

  • Michelângelo Buonarroti ( 1475-1564 )

  • Rafael Sanzio ( 1483-1520 )

  • Ticiano ( 1490-1576 )

  • Giotto de Bondone ( 1266-1337 )

Escultura:

Características:

  • O realismo e o ideal de beleza grega são levados adiante;

  • é retomado o esforço por encontrar um módulo ideal de proporções;

Representantes:

  • Donatello (1386-1466 ) - escultor italiano que valoriza o físico do homem. Principais trabalhos : David e Gattamelata (eqüestre)

  • Michelângelo Buonarroti ( 1475-1564 ) - pintor, escultor, poeta e cientista, gênio precoce e atormentado. Viveu desde a serenidade clássica do séc. XV (David e Pietá ) até a inquietação barroca, da qual foi o precursor no séc. XVI ( Moisés ).

*COMPLEMENTE SEU ESTUDO FAZENDO UMA PESQUISA MAIS DETALHADA SOBRE ARTE NO RENASCIMENTO.

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